HARRY POTTER E O ENIGMA DO PRÍNCIPE, de David Yates [2009]

NOTA: 5,5 

Vamos combinar que a série Harry Potter vem sofrendo com uma sensível queda de qualidade ao longo dos anos, mas isso não nos impede (e provavelmente jamais irá impedir) de nutrir grande curiosidade por cada novo episódio. O sexto e penúltimo é Harry Potter e o Enigma do Príncipe, longa que retrata mais um período de descobertas na vida atribulada do bruxo (incluindo os primeiros vestígios da sexualidade, até então curiosamente adormecida). Mas nem mesmo este fator atípico consegue se impor dentro do filme, deixando-o com o mesmo aspecto aborrecido que seu antecessor, A Ordem da Fênix. O roteiro de Steve Kloves cumpre a meta de dramatizar (ou tentar dramatizar) ao máximo os acontecimentos em Hogwarts, e não nego que alcança seus objetivos por alguns momentos; porém,  quando se observa o filme por inteiro, tem-se a sensação de que gastaram mais da metade do longa com inutilidades, legando menos de 30 minutos para os acontecimentos considerados mais essenciais. Não chega a ser dispensável, mas com certeza poderia ter sido melhor.

NUNCA É TARDE PARA AMAR, de Amy Heckerling [2007]

NOTA: 4,5 

Michelle Pfeiffer vivia reclamando que não lhe davam papéis cômicos, ao nível de Quem Vai Ficar Com Mary?. Parece que em Nunca é Tarde Para Amar ela recebeu o presente que tanto ansiava, ao viver uma mulher de meia-idade que cuida sozinha da pequena filha pré-adolescente (a sempre ótima Saoirse Ronan) e redescobre o amor com um homem 11 anos mais jovem (Paul Rudd). O filme é uma comédia romântica clássica, sem nenhum tipo de inovação, mas com tiradas capazes de arrancar alguns risos isolados. As atuações de Rudd e Ronan são as mais compensatórias, e seus papéis são bastante carismáticos – sufocando por diversas vezes a protagonista. O longa serve muito bem como passatempo, mas não passa disso, já que este nicho hollywoodiano (quase) sempre oferece mais do mesmo.

INIMIGOS PÚBLICOS, de Michael Mann [2009]

NOTA: 7,5 

Para quem gostou de Donnie Brasco ou Os Intocáveis, e ainda sente uma atração pelo filme Bonnie & Clyde – Uma Rajada de Balas, Inimigos Públicos certamente vai funcionar. Já é antigo abordar a vida de gangsters nos filmes americanos, e aqui Michael Mann conta a vida de John Dillinger, um ladrão especializado em roubar bancos (Johnny Deep), em plenos anos 30. Bem relacionado, ele mantém um grupo de assaltantes em constante ação, e suas atitudes despertam a ira de um agente do Bureau de Investigações Americano (Cristhian Bale), que o qualifica como inimigo público número 1 do Estado. Um plano para capturá-lo vai ser colocado em prática, e o Bureau irá se transformar no famoso complexo de investigações atual, o FBI. O grande destaque neste filme fica por conta do ótimo elenco, que conta ainda com as ilustres presenças de Marion Cottilard e Billy Crudup. O trabalho de Mann, porém, não mantém o mesmo ritmo durante toda a projeção, deixando o longa enfadonho por volta da metade – mas acaba se redimindo com o ótimo desfecho.

O DIA EM QUE A TERRA PAROU, de Scott Derrickson [2008]

NOTA: 3,0 

Só a presença de Keanu Reeves já provoca alguns calafrios, mas em O Dia em Que a Terra Parou ele atinge o “nirvana” de sua incapacidade como ator. Não exatamente por atuar como um alienígena robótico, mas por passar todo o filme com a mesma expressão “fake” e risível – não conseguindo convencer ninguém com o bom samaritanismo de seu personagem. Jeniffer Connely é outro engano, só que dela falo com certa tristeza; apesar de talentosa, aceitou secundar Reeves numa refilmagem imbecílica do clássico de 1951, dirigido por Robert Wise. Enfim, o filme não passa de uma desculpa esfarrapada para inundar as telas com fabulosos efeitos especiais, que de fato fazem a diferença – e impedem que a cotação da película seja ainda menor.

Após pedir educadamente que meu amigo Wally (Cine Vita e Spotless Mind of Wally) me enviasse este MEME, aqui estou para respondê-lo e passá-lo adiante. Educadamente, viu, Wally? Na verdade, não me considero como alguém adepto a um único estilo de música – e é fato que muitas vezes me deixo levar pela moda do momento. Porém, existem vozes e canções imortais, que jamais sairão da pauta dos amantes da boa música. E foi com esse pensamento que escolhi as 13 vozes que simplesmente não saem da minha cabeça (com a melhor música de cada uma delas). Elas nunca deixaram de me emocionar.

ANNIE LENNOX - A Wither Shade of Pale

ENYA – May It Be

ELTON JOHN - Skyline Pigeon

ELVIS PRESLEY - Fool

FRANK SINATRA - My Way

FREDDIE MERCURY - How Can I Go On (part. Montserrat Caballe)

JOHN LENNON - Mind Games

LIAM GALLAGHER (Oasis) - Wonderwall

TERESA SALGUEIRO (Madredeus) – O Pastor

MAYSA – Ne Me Quitte Pas

MICHAEL BUBLÉ - Home

MICHAEL STIPE (R.E.M) - Losing My Religion

SIMON & GARFUNKEL - Bridge Over Troubled Water

MEME segue para: OTAVIO ALMEIDA, RAFAEL MOREIRA, PEDRO HENRIQUE, BRUNO ALENCAR, CECILIA BARROSO.

Depois do relativo sucesso no Festival de Cannes, e indicações a importantes prêmios de cinema (como o Globo de Ouro e Screen Actors Guild), aquele que Quentin Tarantino chama de “minha obra-prima” revelou-se, com justiça, num dos melhores filmes de 2009. Bastardos Inglórios não é apenas a retomada de um cineasta ousado e criativo, mas também uma nova perspectiva sobre um assunto exaustivamente abordado na história de Hollywood: o nazismo. Não é exatamente uma obra que denuncie as atrocidades da máquina alemã, mas um relato indelével sobre sobreviventes vingativos, todos afetados de alguma maneira pelas decisões de Adolph Hitler.

Primeiro, a abertura. Região da França, auge da Segunda Guerra Mundial. O coronel Hans Landa (Cristopher Waltz) adentra a residência de um morador da região em busca de judeus. A notícia que se tem é que várias fazendas tem acobertado pessoas da religião judaica, e tal comportamento é inadmissível para o Eixo. Com palavras firmes e uma voz quase sussurrante, o coronel interroga o homem, à procura de respostas. Surpreende-nos seu imenso poder de persuasão. O francês cede. Não estaríamos diante de uma sequência memorável, caso os envolvidos naquelas cenas fossem atores comuns. Cristopher Waltz é um fenômeno, que invade a tela logo nos minutos iniciais e nos envolve de maneira inimaginável, entregando um vilão sádico, mas ligeiramente ambíguo. É a partir de então que nos vemos admirados por uma das melhores performances da década, determinada a arrebatar quem assiste Bastardos Inglórios – e convencer qualquer um de que vale a pena terminar a fita. Não somente pela história intrincada (porque esta sequência termina de modo inesperado), mas pela promessa de atuações que superem qualquer nível de expectativa.

E acredite, elas vem. O roteiro divide-se em cinco partes bem delineadas, que ao fim irão obviamente se convergir; cada uma dá aos personagens espaço suficiente para entregar boas atuações. Seja no capítulo seguinte ao do coronel Hans, onde somos apresentados ao tenente Aldo Raine (Brad Pitt), militar conhecido por liderar um grupo de judeus renegados, em busca de vingança contra os nazistas. Lhes é comum interceptar tropas de Hitler, matá-las a sangue frio e guardar-lhes o escalpo. É importante dizer que Brad Pitt está deliciosamente hilário e caricato na pele do oficial, com seu sotaque americano tipicamente montanhês e trejeitos robotizados; fora o humor debochado do personagem masculino central dos filmes de Tarantino, que é sempre notável. Há grandes momentos em cena desse grupo de judeus (que dá título ao filme, Os Bastardos Inglórios), e o roteiro beneficia-os de maneira surpreendente – dosando seriedade e comicidade com extrema exatidão.

Próximo capítulo. Melánie Laurent, a moça judia que escapou da morte e administra um cinema que recebeu de herança dos tios. Assediada por um militar alemão (Daniel Bruhl), a moça se esquiva como pode dos galanteios do jovem, mas acaba sendo engolida pelo egocentrismo nazista – e é obrigada a doar seu cinema para uma exibição de luxo, onde o filme “Orgulho da Nação” vangloriará aqueles que mataram seus pais. Debruçar elogios sobre a performance de Laurént é inútil, porque qualquer um, cinéfilo ou não, saberia identificar seu talento em Bastardos Inglórios. O garoto-Adeus-Lênin também está ótimo, encarnando o papel com a sutileza necessária. Em meio a este episódio, há de se destacar a presença de Diane Kruger, como uma atriz alemã envolvida intimamente com os interesses dos Bastardos. Com naturalidade e desenvoltura, ela se destaca na sequência que se desenrola num bar (ocasião em que um soldado alemão comemora o nascimento de seu filho); é uma das melhores de toda a película – engraçada, amarga e brutal, numa fusão de características que só Quentin Tarantino sabe manipular. O roteiro, como um todo, aliás, é magnetizante.

Sim, Bastardos Inglórios é a obra-prima de Quentin Tarantino – e talvez seja o melhor filme lançado no Brasil em 2009. Pode-se garantir com certeza que o filme tem o melhor elenco do ano, posto até então ocupado pelo ótimo Dúvida, de John Patrick Shanley. Mas Bastardos Inglórios vai além, é óbvio. É um cinema que já nasceu para ser cultuado, tamanho é o seu compromisso com a qualidade. Se você sente alguma confiança nas palavras do editor que lhe escreve, ignore qualquer crítica negativa. Bastardos Inglórios é a arte em estado de graça.

Inglorious Basterds – EUA – 2009 – Direção: Quentin Tarantino – Elenco: Brad Pitt, Melanie Laurent, Cristopher Waltz, Diane Kruger – 153  min – Gênero: Drama

NOTA: 9,0 

Por mais que você se vanglorie de que não aguenta mais comédias, e que seu negócio agora é um outro tipo de cinema, precisa admitir que nem só de pão vive o homem. Assistir a bons filmes do gênero é quase uma terapia, e Hollywood tem se especializado cada vez mais neste nicho cinematográfico (porque ele é de fato, um dos mais rentosos). Julie e Julia, novo filme de Nora Ephron, não foge à regra; e para construir seu roteiro, baseia-se num tema bem interessante (que é mal explorado na maioria dos longas): a paixão pela culinária.

Julie Powell (Amy Adams) é uma funcionária pública que acaba de completar 30 anos, mas sente que há muitas lacunas que precisam ser preenchidas em sua vida monótona. Para tanto, decide seguir à risca o famoso livro de receitas Mastering the Art of French Cooking, da escritora e culinarista americana Julia Child (Meryl Streep). Ela prevê que 524 receitas sejam feitas em 365 dias, e Julie dedica-se inteiramente ao projeto (criando um blog para divulgá-lo). Baseado nos relatos do blog e no livro escrito por Powell sobre o assunto, o filme possui os mesmos elementos de qualquer outra película do tipo - com a vantagem de que não é dotado de cenas gratuitas nem de situações forçosas e deprimentes (comuníssimas em filmes que se propõem a fazer rir). Julie e Julia é, antes de tudo, uma ode ao cômodo mais idolatrado das casas: a cozinha. É um delicioso retrato sobre a arte de se elaborar um prato, e tudo é tão bem retratado neste sentido, que fica difícil não admirar aquelas pessoas que dedicaram suas vidas à culinária (sejam profissionais ou não).

Porém, claro, nem tudo são flores em Julie e Julia. Há de se explicar que existe uma separação entre as histórias de Child e Powell (afinal de contas, há 40 anos entre elas) e isso nos lança uma questão lógica: qual dos dois universos é melhor abordado? O de uma garota cheia de dúvidas e ligeiramente infantil ou o de uma senhora americana, encerrada em Paris com seu marido (Stanley Tucci) e seus cursos de gastronomia? Primeiro, há de se destacar que Meryl Streep é a melhor atriz de todos os tempos, e que ela personifica a verdadeira Julia Child de maneira notável. As cenas em que Streep carrega no sotaque francês e ri abusivamente, como uma menina travessa, são deliciosas. E talvez sejam estes os motivos que a qualifiquem tão bem nas disputas pré-Oscar (e provavelmente no próprio Oscar). Mas o tratamento que se dá à personagem, em si, é bastante omisso. Child vive momentos mornos e pessimamente delineados pelo roteiro – que parece querer se escorar na performance de Streep. Por outro lado, há um tratamento mais atraente da vida de Julie; talvez pelo fato da moça enfrentar muitos problemas (de cunho profissional ou pessoal) ou simplesmente pelo fato dela viver à beira de um fogão (tentando agradar os amigos e principalmente a si própria). Pode ser que o fato de Julie ser blogueira tenha me atraído também (como esquecer a frase: “ter um blog é como fazer parte do AA; dá-lhe algo que tem que fazer a cada dia, um dia de cada vez”).

Fato consumado é que Meryl Streep entrega uma atuação boa, mas não suficientemente forte para suplantar as falhas de sua parte no roteiro. Assistir às cenas de Julia Child é um exercício cansativo quando você decide prestar a atenção na história. Os conflitos são mal elaborados e conduzidos de maneira enfadonha (culpemos aqui Nora Ephron, com uma de suas piores direções). Tal detalhe só atesta que, apesar de grandiosa em cena, Meryl poderia ter tido mais espaço – não fossem os defeitos gritantes do roteiro de (ela outra vez!) Ephron. E, diante destas limitações, acho bem condenável apontá-la como a melhor atuação feminina de 2009. Lamento aliás, o fato de Amy Adams e Stanley Tucci (não posso esquecer dele) terem sido preteridos da grande maioria das premiações; aceitem ou não, para mim, Julie e Julia é um filme de Julie Powell, e não de Julia Child.

Julie e Julia – EUA – 2009 – Direção: Norah Ephron – Elenco: Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci – 120  min – Gênero: Comédia

NOTA: 6,0 

Para quem duvidava que a Pixar seria capaz de entregar outra animação do nível de seus dois últimos sucesssos (Ratatouille e Wall-E), certamente vai ter de esperar mais um ano. Up – Altas Aventuras pode não ter um roteiro tão criativo como o de Remy, ou ser tão terno e atual como o longa do famoso robôzinho, mas possui uma história que flui, em sua maioria, com a graciosidade e a competência naturais da produtora. Coube aos diretores de outro sucesso, Monstros S.A (Pete Docter e Bob Peterson) a difícil tarefa de transformar um argumento contestável num produto aceitável, e o resultado, claro, foi mais que satisfatório.

A primeira sequência da película se passa dentro de um cinema, onde um menino vê, admirado, a história real de um explorador que sonha encontrar uma ave rara na América do Sul. Com as imagens em preto-e-branco da telona, temos a noção da época em que se passa a ação – e logo somos apresentados à Carl, um garoto que se apaixona por uma menina da mesma idade, e com o mesmo gosto pela aventura. O tempo passa, eles se casam (uma sequência acompanha a vida dos dois de maneira sublime, aproveitando ao máximo os momentos felizes e tristes), mas a morte os separa. É a partir de então que Carl se fecha no próprio mundo, cheio de rabugice e mesquinharia (digamos, um curioso anti-herói). Porém, ao conhecer o escoteiro Russel, ele aprenderá o verdadeiro valor da amizade, e perceberá o quão é importante persistir para que se alcance um objetivo. O charme de Up – Altas Aventuras está mesmo nos detalhes, e não na ideia central. Sabemos que todos os filmes infantis são determinados a resgatar valores perdidos pela sociedade, mas Up vai um pouco além quando insere elementos hiperbólicos e inacreditáveis. Quem acredita que um velhinho, na iminência de ser internado num asilo, prende sua casa (pela chaminé) a milhares de balões e vai em busca de um desejo que ansiava há muito realizar? Pois bem, isso acontece, e nossa incredulidade é obviamente saborosa. Mais ainda, ele e sua engenhoca conseguem atingir a América do Sul, levando a tiracolo Russel, que entrou na aventura de gaiato. Nas florestas verdejantes e úmidas do local, eles conhecem a famosa ave (chamada Narceja) e uma matilha furiosa, comandada pelo mesmo explorador que Carl assistira nos cinemas há 60 anos.

Estes são os momentos onde há mais o que se admirar em Up. Primeiro, a parte técnica impecável, que monta um ambiente silvestre crível e magnífico, de encher os olhos de qualquer um que assista. A riqueza de detalhes impressiona, o que já qualifica Up como uma das produções de maior nível técnico já entregues pela Pixar. Depois, há os personagens. Falo da ave Narceja, que é hilária e muito simpática, e claro, um dos cães, Doug, que decide se rebelar contra o dono opressivo (que age de maneira igualmente engraçada, e tem um ótimo coração). Falando em dono opressivo, Up possui um dos melhores vilões já criados para o gênero, o asqueroso aventureiro Charles Muntz (quem não se indignou com a captura da Narceja?). Nessa congregação de comédia e simpatia, Up se destaca mais por comportamentos isolados de seus personagens do que exatamente pelo andamento do roteiro – que a esta altura já não se encontra tão consistente.

É desnecessário dizer que Michael Giachinno também é um dos fatores que fazem a diferença no filme, com sua ótima e emocionante trilha sonora. Indispensável seria atentar para o desfecho da obra, que é um tanto brusco e bem menos lírico que o de seus antecessores (sempre comparando-o à Ratatouille e Wall-E). A última cena, porém, conseguiu arrancar-me algumas lágrimas, na segunda sessão (algo que não é tão difícil em outros momentos se você sofrer de excesso de sentimentalismo). Resumindo: Up – Altas Aventuras merece ser apreciado, mesmo que esteja aquém da genialidade de outras obras da Pixar. Dispensar uma boa animação (mesmo que ela não seja extraordinária) com certeza é um engano. 

Up – EUA – 2009 – Direção: Pete Docter – Vozes: Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai – 96  min – Gênero: Animação

NOTA: 8,0 

Quem não conhece o estilo peculiar do cinema-horror de Sam Raimi, pode começar pelo ótimo Arraste-me Para o Inferno. O famoso diretor de Uma Noite Alucinante dosa (novamente!) sustos e humor de maneira exemplar, construindo um filme bem diferente daqueles que passou a dirigir nos últimos sete anos: a franquia O Homem Aranha. Aqui a história também é inverossímil (ou será que não?), mas goza de mais reputação, por resgatar os elementos que transformaram Raimi num cineasta cultuado por diversos cinéfilos dos anos 80. 

A história se passa em Los Angeles, e acompanha a vida de uma analista de crédito interpretada por Alison Lohman. Sonhando com uma promoção (que lhe trará dinheiro e auto-afirmação, já que possui complexos por ser oriunda do interior), a moça esbanja eficiência e faz de tudo para agradar seu chefe. Mas ao dificultar a vida de uma velha cigana, debilitada, doente e endividada, a moça recebe uma maldição que a fará escrava das tentações de um perigoso demônio. Se isso lembra um mero filme de terror adolescente (especialmente por trazer Lohman e Justin Long no elenco), saiba que está redondamente equivocado. É mais que uma sucessão de bons sustos; Arraste-me Para o Inferno é uma produção que não esconde seus traços de forte comicidade. Quando, na maioria dos filmes de horror atuais, rimos das situações que deveriam provocar medo, no longa de Sam Raimi o equilíbrio entre o humor e suspense é notável. Ele quer nos divertir, e não esconde essa pretensão. Prepare-se para momentos em que as risadas brotam sem parar (como esquecer a sequência do jantar na casa dos pais de Long ou a briga acirrada entre Alison e a cigana dentro do carro?).  E se a junção destas vertentes pode parecer discrepante, acredite: em Arraste-me Para o Inferno, o produto entregue ao espectador é digno de muita nota.

Com uma estrutura que lembra bastante os filmes B das décadas de 1950, com a utilização de efeitos especiais simplíssimos (considerando estarmos num momento de maior tecnologia) e um roteiro galgado em situações grotescas, Arraste-me Para o Inferno prende a atenção dos espectadores exatamente pelo que é. A sucessão de momentos repulsivos, que vão desde vômitos esverdeados à olhos saltitantes ajuda a construir a atmosfera B e garante passagens muito divertidas. Não é à toa que Raimi fez fama por abusar destes artifícios trash. E para não dizer que o filme é perfeito, vale frisar que o prólogo, necessário à compreensão da história, é acelerado e pessimamente interpretado, e que a presença da indicada ao Oscar Adriana Barraza também é pífia e imbecil, num momento que o filme já dá alguns sinais de cansaço. Por outro lado, comemore a presença de  Alison Lohman (substituindo Ellen Page), atriz que geralmente costuma me desagradar bastante. Isso mesmo, ela merece todo o reconhecimento por encarnar “a donzela em perigo” de maneira firme, sem vacilar em momento algum – ela é expressiva, histérica, emocional e nunca esteve tão linda.

Drag Me To Hell – EUA – 2009 – Direção: Sam Raimi – Elenco: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Haver – 98  min – Gênero: Terror

NOTA: 7,5 

1. Alicia Silverstone e Maggie Lawson

2. Javier Bardem e Jeffrey Dean Morgan

3. Heath Ledger e Joseph Gordon-Levitt

4. Zooey Deschanel e Katy Perry

5. Daniel Day-Lewis e Jeniffer Connely

6. Robert Pattinson e Troll Doll

Fonte: http://ramascreen.com/tag/jeffrey-dean-morgan/

Já não é surpresa para ninguém que alguns produtores, a fim de transformar seus filmes paupérrimos em sucesso, estabelecem estratégias de marketing engenhosas e faturam milhões. Foi assim que A Bruxa de Blair arrecadou uma bilheteria monstruosa para um orçamento final de apenas 10 mil dólares – inflamando as audiências e espalhando a temível história (real!?) de uma bruxa campestre que possivelmente matava/devorava quem se aventurasse a encontrá-la. Àquela época, estávamos diante de uma novidade, que se utilizava de recursos simplíssimos (como câmeras amadoras e trepidantes) para provocar ou sugerir o medo. Eu adorei A Bruxa de Blair. Mas confesso que seria incapaz de aceitar outra estratégia amalucada de marketing como aquela – até porque cair duas vezes numa mesma armadilha não é nada agradável. Este Atividade Paranormal se embriagou na fonte do filme de 1999, mas o resultado é simplesmente ínfimo diante da originalidade do antecessor. É patético.

O pior é que Atividade Paranormal foi (e ainda está sendo) um fenômeno  para os cofres da Paramount. Ainda mais após divulgarem a participação de Steven Spielberg, um dos responsáveis pelo acréscimo de 10 minutos na projeção e pela modificação do desfecho. Realmente a conclusão do filme é interessante, mas não surpreende tanto por sabermos se tratar de uma ficção. Atividade Paranormal tenta se vender como uma história real (na qual a polícia de um condado teria fornecido à imprensa imagens gravadas dentro de uma casa possúida por demônios e fantasmas); mas a residência pertence, na verdade, ao diretor Oren Peli – e pode ter certeza de que Katie e Micah, os protagonistas e atores homônimos, não viveram na casa desse pequeno charlatão. Por falar nisso, os atores que os interpretam entregam perfomances risíveis, especialmente a moça, com sua voz insuportável e trejeitos apatetados. Desesperados com a manifestação de assombrações em sua casa moderninha (aposto que uma casa de madeira na colina seria mais assustadora), recorrem à um demonologista falastrão e decidem gravar, a parir de então, tudo que indique um fenômeno paranormal. Mas não crie expecativas com o que o filme pode oferecer; mais de uma hora se passa até o primeiro “susto”, e os poucos que ocorrem depois são forçados e descartáveis.

Atividade Paranormal é o exemplo de mais um longa que sobrevive às custas da curiosidade do espectador. Provavelmente você vai querer vê-lo, mesmo depois de uma enxurrada de críticas negativas. Está na nossa natureza se encantar por este tipo de marketing. Só não crie expectativas, pois acho impossível alguém sair perfeitamente correspondido após o término da sessão. Afinal de contas, nem a utilização de elementos tenebrosos de O Exorcista (como um vídeo de possessão, imagens mediavais de demônios impressas num livro e a famosa Mesa Ouija) são capazes de segurar a qualidade do trabalho de Peli. Juro até que, por alguns momentos, imaginei que fossem colocar O Capitão Howdy na história, mas nem Steven Spielberg teve coragem suficiente. Outro detalhe: andei lendo por aí algumas críticas, e uma delas aconselhou: “Segure-se na cadeira”. Realmente, é difícil não querer ir embora antes do fim, já que o longa é forte candidato ao título de pior filme de 2009.

Paranormal Activity– EUA – 2009 – Direção: Oren Peli – Elenco: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs – 107  min – Gênero: Terror

NOTA: 2,0 

Há quem diga que uma má fase pode aguçar a criatividade de qualquer um. Ao que parece, Lars Von Trier passou por um período de depressão, no qual, em completo isolamento, concebeu o roteiro de Anticristo. Devo admitir que se este boato realmente for verdadeiro, os demônios que o perturbaram eram horripilantes. Uma amargura grotesca é debruçada sobre o espectador, num filme confuso e repleto de cenas chocantes. Sim, isto é algo que comum na filmografia do diretor dinamarquês, mas em Anticristo ele não teve a decência de estabelecer medidas. Tudo é gritantantemente enojante.

Vou confessar que tenho várias barreiras que me impedem de apreciar o cinema de Trier. Primeiramente, a minha antipatia pelo profissional, que é egocêntrico e intratável. Um homem que se planta diante de mihares de jornalistas para se intitular como “o melhor diretor do mundo”, não sofre de excesso de auto-estima, mas de pura arrogância. Se Lars realmente faz filmes para si mesmo, e pouco liga para a opinião do público e da crítica (palavras do próprio), ele poderia mudar-se para as montanhas e viver a pão e água. Ora, um homem tão cheio de si não precisa de dinheiro, e muito menos de uma distribuidora igualmente enlouquecida que aceite divulgar seus filmes. Tal comportamento, infelizmente, me faz ter dois pés atrás com qualquer projeto encabeçado por Lars Von Trier. Ele diz fazer cinema para a própria satisfação – embora ache que Trier sofra de alguma síndrome, ou mesmo carência afetiva e emocional. Aposto que ele adoraria ser amado, mas poucos realmente o amam. Não perco o respeito por aqueles que admiram seus longas (quero que isso fique bem claro), mas acho que só é possível gostar de algo quando encontramos espaço para compreendê-lo. Anticristo é mais uma das várias incógnitas do diretor. Não há explicação para tamanho mau gosto. Comentei há alguns dias sobre Eraserhead, um dos filmes mais chamativos de David Lynch; volto a ele aqui, porque Lynch tem traços da personalidade megalomaníaca de Trier, e comparar seus trabalhos não é um equívoco. Se Eraserhead oferece imagem e som atípicos, com bebês-bezerro e vermes lunares, ainda pode-se extrair algo de curioso. Mas quem quer ver órgãos sexuais sendo mutilados, penetração em close (num filme que se julga de arte! Ora, vá ver logo um pornô!), animais parindo (ou abortando, vá lá saber o quê), masturbação que termina em sangue, brocas furando pernas (que coisa mais Jogos Mortais!) e raposas desviceradas e falantes? Reafirmo: não critico quem viu arte nessa salada russa, mas eu simplesmente fiquei com nojo.

Devo destacar alguns detalhes importantes. Há a atuação de Charlotte Gainsbourg, talvez um dos poucos pontos dignos de nota. Por momentos, ela absorve a dor de sua personagem de modo animalesco e visceral – portanto, absolutamente verossímil. Willem Dafoe segura as pontas (ele é o tipo de ator que mantém um nível em todas suas performances), mas sequer pode se comparar à entrega de sua parceira. Há também a excelente fotografia de Anthony Dod Mantle (Oscar por Quem Quer Ser Um Milionário?) e a edição de efeitos sonoros, que não é menos que fabulosa. Destaco ainda o prólogo e o epílogo do longa, realmente belos (excetuando-se à cena gratuita de penetração do minuto inicial), ao som de uma música religiosa extremamente envolvente. A câmera lenta de Trier capta detalhes muito sutis do ambiente onde se desenrola a primeira ação, culminando num acidente-suicídio empalidecedor. Não vou dar grandes detalhes, porque a abertura, filmada em preto-e-branco, deve falar por si mesma; é um cartão-de-visitas extraordinário, para um filme que parecia prometer muito mais. O epílogo segue o mesmo molde, com a bela música ao fundo – só que muito mais inexplicável (e logicamente irritante). Agora, o desenrolar da trama, dividida em 4  capítulos (Dor, Luto, Genocídio, e os Três Mendigos) não passa de uma fusão de imagens perturbadoras e inúteis, onde o sexo é a moeda dominante. Tudo bem, digam que há uma explicação para aquilo tudo, digam que nada está ali por acaso; mas para mim, Anticristo é um filme doente, gratuito, sujo e repleto de demônios que resolveram sair da mente de Von Trier para atazanar desavisados. Dá repulsa.

Antichrist– ALE/ITA/DIN/FRA/SUE – 2009 – Direção: Lars Von Trier – Elenco: Charlotte Gainsbourg, Willem Dafoe – 109  min – Gênero: Terror

NOTA: 4,0 

Finalmente encontrei um filme (vendido como simples comédia) que merecesse os mais calorosos aplausos. (500) Dias Com Ela acaba de se tornar “a menina dos olhos” deste blogueiro que vos fala, e sem dúvida nenhuma conquistou um lugar cativo entre as melhores produções de 2009. Agora pense: qual é o segredo para que um filme com um nome tão Sessão da Tarde, e uma sinopse aparentemente gasta arrebate corações de milhares de cinéfilos? Não tem segredo. (500) Dias Com Ela simplesmente foge dos modelos banalizados das comédias românticas americanas, feitas unicamente para engordar os cofres dos estúdios. É um filme que perturba os espectadores pela verossimilhança. Impossível não perceber-se em alguma situação proposta pelo roteiro, inadmissível não se encantar pelas performances apaixonantes de Joseph Gordon-Levitt e Zooey Deschanel.

A história? Homem jovem se apaixona pela secretária de seu chefe, e vive uma relação turbulenta com a mesma. Oscilando entre momentos de muita felicidade e outros de pura frustração, ele vai descobrindo que a vida é muito mais do que culpar o destino. Se pareceu uma imbecilidade frugal, esqueça os preconceitos. A fórmula do sucesso esteve nas mãos de Scott Neustadter e Michael H. Weber, os roteiristas que fizeram de situações corriqueiras um festival de diálogos inteligentes e (por que não) algumas gags modernas e perfeitamente encaixadas à situação dos personagens. É como se tivessem efetuado uma pesquisa de campo, na qual milhares de homens apaixonados tivessem passado por uma profunda entrevista. Queira você ou não, a paixão é uma coisa incontrolável. E quando caímos numa dessas, nossa vida simplesmente vira do avesso. E todas estas sensações foram condensadas num só homem (Gordon-Levitt). A mulher ideal também foi perfeitamente retratada por Deschanel, com sua beleza inebriante, mas personalidade moderna demais (desculpe se estou sendo machista).

Os atores, inclusive, estão absolutamente impecáveis em suas composições. Não sei se sou o único, mas (500) Dias Com Ela recorda muito a problemática de Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, uma das obras-primas de Woody Allen. Alvy Singer está ali, impresso na tela – invadindo o corpo de Levitt, e passando a ele toda a inquietude e insegurança que assola o universo dos homens que não se acham bonitos demais. Annie Hall é uma inspiração inegável para Deschanel, com suas dúvidas e anseios aparentemente desnecessários, mas que refletem a instabilidade das mulheres que evitam amar em excesso. E o filme levou o Oscar de 1977. Longe de mim insinuar que houve uma cópia, acho até que (500) Dias Com Ela seria imaturo demais se o fizesse. Houve sim, um aproveitamento singular da discrepância destes dois universos, que resultou numa comédia deliciosa e num drama relevante demais para ser ignorado. O filme é, portanto, uma obra-prima do cinema contemporâneo.

Talvez a originalidade do homenzinho de óculos falte em alguns momentos (pois [500 Dias] Com Ela não escapa totalmente de situações clichê), mas a essência do filme é basicamente a de Woody Allen. O longa quer, na verdade, mostrar o quão somos vulneráveis (ou mesmo apatetados) quando o assunto são nossos interiores, e que nem tudo pode ser perfeitamente controlado (como na grande maioria das comédias atuais, comprometidas com desfechos fora da realidade). Não adianta. Este filme é o grande achado de 2009, capaz de superar qualquer expectativa. Interessante seria vê-lo num Oscar. Pode ser que falte um grande nome na produção para atingir o prêmio, pois acredito que se Woody Allen ou Mike Leigh o tivessem dirigido, seria apontado como um de seus melhores trabalhos. Porém, quem se importa? Oscar não é verdade absoluta. E no fim das contas, o que vale é a aprovação de cinéfilos como nós.

(500) Days of Summer – EUA – 2009 – Direção: Marc Webb – Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Clark Gregg – 95  min – Gênero: Comédia

NOTA: 9,0